La rivoluzione della luce nella pittura degli Impressionisti

Vista dell’esposizione – Foto: Giorgio Manusakis

Il racconto della poesia impressionista in una mostra a Napoli curata da Vittorio Sgarbi.

Negli spazi espositivi della Basilica di Santa Maria Maggiore alla Pietrasanta a Napoli si svolge, per i 150 anni del movimento artistico degli Impressionisti, una mostra antologica curata da Vittorio Sgarbi, che racconta la loro prima esposizione del 15 aprile 1874, sullo sfondo di una Parigi di fine secolo protagonista di significativi cambiamenti. Infatti, attraverso la scelta delle opere, circa 70, tra dipinti, disegni, grafie e sculture, si sottolineano gli importanti mutamenti che hanno investito la città, con l’avvento della grande industrializzazione, la nascita della fotografia, del cinema, dell’elettricità e dei primi transiti aerei; il tutto proposto nelle celebri esposizioni universali, con le splendide architetture in ferro e vetro che divennero vere icone dell’epoca, contribuendo a raccontare i grandi cambiamenti che si presentarono anche nelle forme artistiche in generale. In quell’anno, infatti, in Boulevard des Capucines, presso gli spazi del fotografo Nadar, fu organizzata una mostra molto significativa da un gruppo di giovani artisti rivoluzionari che si opponevano con decisione alle regole accademiche e ai Salon ufficiali voluti da Napoleone III, i quali si organizzarono in una Società Anonima ricalcando ciò che già era accaduto con il Padiglione del realismo del 1855 e con Courbet. Questi veniva definendosi, per la sua temeraria libertà esecutiva, come un artista che respingeva le regole accademiche, diventando così il loro punto di riferimento.

Gustav Courbet, ‘Onda’ (1878) – Foto: Giorgio Manusakis

D’altra parte, nella prima sezione della mostra, intitolata alla rivoluzione realista e all’Ècole de Barbizon, ritroviamo il focus di quel cambiamento nei dipinti ad olio e acqueforti realizzati dagli artisti della Scuola: Millet, Courbet, Corot, Rousseau, Delacroix e Lecomte, con i loro paesaggi che raccontano di aspetti pittorici innovativi del realismo, diventando così, successivamente, punti di riferimento fondamentali per gli Impressionisti.

Paul Èmile Lecomte, ‘La Loire à Chaumont sur Loire avec le chateau enarrière-plan’ (1890) – Foto: Giorgio Manusakis

La Scuola di Barbizon comprende gli artisti che, a partire dagli anni ’30 dell’800, si stabilirono in questa località situata nella foresta di Fontainebleau. Come scrive Stephen Eisenmann nel suo saggio: <<Nel 1860 C.F. Denecourt, il celebre scrittore di guide di viaggio, rivolse un appello a Napoleone III affinché la foresta venisse protetta “con i suoi splendidi orizzonti, le superbe masse di rocce antidiluviane, le valli ombreggiate, gli spazi vuoti, i meravigliosi alberi secolari”…>> In questo luogo, circondato da una natura paesaggistica lussureggiante e molto singolare, iniziarono a disegnare e dipingere all’aria aperta, fuori dai propri studi, osservando soprattutto le atmosfere e i cambiamenti della luce, mantenendo da un lato un notevole rispetto per la tradizione del genere di paesaggio; dall’altro, invece, cercando di realizzare dipinti che rappresentassero luoghi in cui la natura appariva meno spettacolare, attraverso composizioni piuttosto semplici, in cui la presenza umana era ridottissima, ma soprattutto meno fedeli ai dettami della tradizione.

Théodore Rousseau, ‘Pécheurs àu bord de l’eau àla campagne’ (1860) – Foto: Giorgio Manusakis

Infatti, da diversi anni questi artisti rielaboravano idee nuove, si scagliavano contro l’accademismo per l’affermazione di una pittura che interpretasse la realtà in maniera diversa, ma soprattutto libera. Il gruppo si era formato per aggregazione spontanea, le idee venivano discusse al Café Guerbois, dove gli artisti si recavano quando, tramontato il sole, diventava impossibile continuare a dipingere; fu definito, per questo motivo, gruppo di Batignolles, dal quartiere parigino in cui si trovava il Café.

Maurice Denis, ‘La lecture’ (1900 ca.) – Foto: Giorgio Manusakis

In realtà il critico dell’epoca Louis Leroy, sul celebre giornale satirico Le Charivari, scrisse un articolo molto divertente in cui si parlava di macchie di colore, definite anche “linguette di colore”, che rappresentavano le impressioni stesse dell’artista; il tutto per definire il titolo della mostra. D’altra parte, in tal caso, il termine veniva usato in forma dispregiativa, infatti una ‘impressione’ è una realtà oggettiva superficiale, non definita, quindi non degna di diventare pittura. Le tele, prodotte in gran velocità esecutiva, apparivano appena abbozzate e in attesa di definizioni: senza disegno, per limitare le forme; senza ombre, mentre la luce diventava la vera protagonista di ogni scena. In realtà le strette connessioni degli sguardi degli Impressionisti nell’osservazione della natura appaiono visibili nelle loro opere, iniziando la loro rivoluzione con le prime innovazioni, che sottolineavano l’annullamento dei canoni classici, già apportate dai pittori della Scuola di Barbizon.

La tecnica degli impressionisti nelle veloci pennellate con svirgolattature di colore nella tela non preparata è evidente nel particolare di questo dipinto di Eugène Boudin, ‘Port la Havre’, del 1890 – Foto: Giorgio Manusakis

L’esposizione evidenzia, inoltre, i cambiamenti del genere del paesaggio verso la pittura en plein air e non più al chiuso degli atelier, basandosi sul ricordo, ma, soprattutto, rappresenta dipinti che accolgono aspetti di una comprensione più ampia della natura, della cultura e della modernizzazione. Paesaggi più semplici, rurali e campagnoli, che immortalano sole e campi nella foresta di Fontainebleau scegliendo soggetti umili e anticonvenzionali. D’altra parte, con gli Impressionisti la natura fa il suo ingresso sulle tele ponendo un’attenzione determinante alla luce e ai suoi cambiamenti, con il variare delle ore, e ai suoi effetti transitori, ma, soprattutto, gli artisti osservavano l’atmosfera in cui loro stessi si tuffavano, in quella luce colta nei riflessi delle foglie, delle acque; nei cieli ricchi di nuvole bianche riflettenti, nei paesi e nei luoghi cittadini. Gli impressionisti dipingevano anche fabbriche e mulini, battelli che navigano sui fiumi, spaccati urbani, ferrovie e stazioni, quindi anche la modernità che attraversava preponderante il loro tempo. La natura dipinta diventa il risultato dell’equilibrio e della commistione di tutte le parti del mondo: l’insieme di sistemi umani e naturali collegati tra loro nella rappresentazione di una realtà mutata.

Claude Monet (attr.), ‘Les Pècheurs de Poissy’ (1882 ca.) – Foto: Giorgio Manusakis

Nella seconda sezione espositiva, invece, sono mostrate in sequenza opere di artisti molto distanti dalle forme e dalle regole accademiche; ritroviamo incisioni e disegni che evidenziano i lavori di studio e di preparazione per opere di artisti come Boudin, Degas, Cèzanne, Manet, Renoire, Monet e Mary Cassat, pittrice americana.

Firmin-Girard, ‘The Farriers’ (1910-1915) – Foto: Giorgio Manusakis

L’ultima sezione accoglie sei opere del periodo post-impressionista realizzate da Jeanniot, dal delicato paesaggista Firmin Girard e da Richard Ranft il cui dipinto Ladies in café è stato scelto perché rappresenta la sintesi dei contenuti della mostra. La presenza di questi artisti documenta l’influenza che il movimento ebbe nel mondo artistico di fine Ottocento, rimarcata dalla presenza di autori come Derain e Vlamininck Toulouse Lautrec, da cui scaturirono altri linguaggi innovativi avanguardistici realizzati con nuovi modelli che fluiranno nel Simbolismo, nel Cubismo e nell’Espressionismo.

Richard Ranft, ‘Ladies in café’ (1900) – Foto: Giorgio Manusakis

Si tratta di una mostra interessante che, senza alcun dubbio, ha tracciato una riflessione sul significato più vero e profondo del movimento e dei suoi artisti, con le loro analisi e indagini volte alla libertà immediata ed esecutiva del mutato linguaggio artistico, segnando così con forza le linee per un cambiamento rilevante nel panorama dell’arte, ma soprattutto per aver saputo tracciare una strada che ha segnato l’inizio della modernità. In quel silenzio della luce abbagliante al cambiar delle ore, la poesia impressionista attraversa il tempo e lo spazio per dimostrare che l’arte può essere eternata sempre e comunque dagli sguardi di coloro che sono in grado di percepire la Bellezza.

Paola Germana Martusciello

Vincent Van Gogh, ‘L’homme à la pipe (Docteur Paul Gachet)’ – (Héliogravure del 1890 – Ed.1939) – Foto: Giorgio Manusakis